sábado, 6 de febrero de 2016

Entrevista 2: JESSE MOYNIHAN


La segunda entrevista está dedicada a Jesse Moynihan, autor norteamericano que trabaja en la tercera planta, donde también tengo mi estudio. Por algún motivo suele haber más contacto entre los autores que comparten planta, así que con Jesse he andado bastante. Eso me permitió ir al grano en la entrevista.
Lógicamente hicimos la entrevista en inglés, al traducir reescribes, de manera que aunque a veces suene a mi voz (ni periodista ni traductor), el contenido está integro.



 Fotos de Alain François, fotógrafo oficial de La Maison des Auteurs.

Jesse creció cerca de Filadelfia y es licenciado en cine por la Universidad de Temple. Ha publicado historietas cortas en varias revistas, periódicos y antologías; The Believer, Mome, Vice, Arthur, The Philadelphia Weekly...en 2009 publica su primera novela gráfica, Follow me, que es una recopilación de su serie The backwards folding mirror. En Filadelfia también monta una banda de rock/pop/progresivo/indie...con las etiquetas me pierdo, el caso es que mola un cacho: Make a Rising.

Se muda a Los Àngeles y comienza a trabajar haciendo guiones, storyboards y diseños para la serie de animación de Cartoon Network, Adventure Times (Hora de aventuras). Se incorpora a la serie al final de la primera temporada y permanece hasta la séptima. Al mismo tiempo, Jesse escribe y dibuja su Forming, historia dividida en tres partes de las que ha publicado las dos primeras en la editorial inglesa,  Nobrow.
Jesse también hace cortos de dibujos animados junto a su hermano Justin para su web y para Hangover Cartoon (AQUÍ dejo una muestra muy divertida).
Actualmente trabaja en sus cortos animados mientras termina Forming 3. Jesse es partidario de compartir absolutamente todo en la web, de manera que en su página podéis encontrar y leer prácticamente todo lo que ha hecho, incluido lo que lleva de Forming 3, el sitio es una joya.


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P. ¿Por qué cómics?

R. De niño, con 5 o 6 años empecé a hacer cómics, me gustaba dibujar mirando los tebeos de los Xmen. En el instituto empecé a hacer cortos y más tarde ingresé en la universidad para estudiar cine. Pero la Universidasd fue una época bastante deprimente, porque pasaba la mayor parte del tiempo ahorrando o buscando dinero para financiar mis películas. Además, para contratar actores y personal habìa que tener una gran habilidad social de la que yo carecía con 19/20 años. Entonces regresé a los cómics; no requieren dinero ni interactuar con nadie. Además podía desarrollar un tipo de historia que sería impensable para el presupuesto que podría manejar, historias con elementos fantásticos o surreales... ya sabes, el cómic es barato, es sólo dibujar.

P. El cine de los pobres.

R. (Risas) exactamente. Sigo amando el cine como medio, pero para mi tipo de historias es muy complicado y caro.

P. ¿Trabajas exclusivamente con elementos fantásticos en tus tebeos?¿ nunca has hecho aproximaciones a la realidad o tocado la autobiografía?

R. Si, a veces  he hecho alguna aproximación a un tipo de cómic más personal, comics basados en la realidad, pero a medio camino siempre cambio el rumbo e introduzco algunos elementos fantásticos... muchas veces he dibujado escenas  de mi vida en Filadelfia, en mi apartamento...pero ya sabes, entras en el tunel y la historia te acaba llevando por lugares extraños, el subsuelo...trabajo mucho a partir de la inspiración que aportan los sueños y eso es autobiografía también. creo que mi trabajo está muy influenciado por David Lynch y Jodorowsky, de manera que nunca he hecho cómic estrictamente realista.


Doble página del Forming 3

P. ¿Desde el principio estabas influenciado por Lynch y Jodorowsky?

R. Si, desde que estaba en la escuela de cine me gustaban esos autores, también San Raimi ,capaz de hacer buenas películas de terror con poco presupuesto. Esos fueron una gran inspiración, especialmente David Lynch, aunque sus producciones son de alta calidad y requieren un buen presupuesto.

P. Me dices que empiezas a dibujar con cinco o seis años,¿los tebeos llegaron a ti, o tú fuiste a por ellos? Me explico, en mi caso yo tengo tres hermanos mayores que compraban cómics, que cuando  llegué los tebeos ya estaban allí, no los elegí.

R. Oh, en mi casa había Calvin&Hobbes, Charlie Brown...también cogía algunos de la biblioteca del colegio. Pero Xmen eran mis cómics, iba a la tienda a por ellos, asistía a convenciones, los intercambiaba con mis amigos del colegio por otros tebeos de mutantesX...hablo de las series de mutantes de finales de los 80 y principios de los 90 (Claremont, Byrne, Romita Jr, Paul Smith, Frank Miller, Silvestri...), todo lo que se produjo antes de la era Jim Lee y Rob Liefeld.



P. Bueno, entramos en materia y empiezo con las preguntas difíciles. Hablemos de tu proceso creativo, vamos al principio: ¿sabes de dónde surgen tus ideas?

R. No son espontáneas, creo que parten de mi interés sobre algún tema en concreto, de la lectura, la investigación. Desde hace algunos años mis intereses están en explorar religiones antiguas (cómo aparecieron y desaparecieron), culturas ancestrales, sistemas políticos en la antiguedad, como se combinaban ciencia, magia y religion en algunas sociedades desaparecidas...ese tipo de cosas.

P. Es decir, tienes unos intereses concretos y trabajas a partir de la investigación.

R. Exacto, de un montón de lecturas voy sacando la inspiración para mi historia. Por ejemplo, recuerdo haber leído sobre Roma, cuando cristianismo apareció, colisionó con las religiones paganas que había en aquel momento. Fue una pelea legendaria, magia versus milagros, una guerra alegórica. Leo esas historias y me digo "Wow! podría transformar estas batallas figuradas en reales, un cómic de acción real". Camino sobre la línea que separa historia de mitología, sin preocuparme demasiado de qué es verdad o qué es interpretaciòn, porque opino que si algo existe en la imaginación, entonces es real...no sé si me explico... mi intención es decir :"esto sucedió realmente", incluso si es una locura, porque me gusta andar por la vida con este tipo de actitud. Vivimos en un mundo reaccionario, un tiempo materialista donde las ideas fantasiosas son rechazadas... tener la mente abierta es una actitud casi subversiva, de alguna manera.
Un ejemplo; si mañana le cuento a alguien que he visto un fantasma, en primer lugar me mirará raro, en segundo lugar buscará posibles explicaciones como "estaba tan cansado que empezó tener alucinaciones" o " comió algo en mal estado lo cual produjo en su cerebro conexiones neuronales erróneas ", cosas así. Lo triste es que incluso siendo nosotros mismos quienes hubièramos visto el fantasma, estaríamos buscando este tipo de explicaciones. Nadie se permite conectar con el lado romántico, todo deben ser evidencias empíricas y para mí eso es aburrido. Pretendo divertirme y que los lectores se diviertan, por eso mis cómics son una celebración de impresiones sobre cómo pudo pasar algo, aunque sean posibilidades muy locas (risas).


 Muestra de los cuadernos de notas de Jesse.

P. Vale, tienes un tema, tienes un montón de notas y llega el momento de conectarlas para cerrar la historia y escribir el guión. Qué puedes decirme de esta parte del proceso, ¿tienes algún tipo de rutina?. Algunos autores meditan, otros hacen deporte, otros simplemente se sientan en la mesa de trabajo hasta que todo cuadra o miran al techo tumbados en el sofá...

R. Jajaja entiendo... Bien, mi rutina en Los Àngeles es la siguiente: Me levanto, tomo café, leo un capítulo del libro en el que estoy trabajando (mientras la mente aún está fresca porque me acabo de levantar) y cojo mi bicicleta para ir a trabajar. Entre mi casa y el trabajo hay una hora de trayecto en bici, durante esa hora pienso en lo que acabo de leer y cómo continuarlo. Creo que los movimientos repetitivos de montar, hacen que entre en una especie de trance, en estado de meditación.

P. Suena bastante peligroso...

R. (Risas) No, sólo debo atravesar un parque que bordea un río, sin coches a la vista. Gran parte de mis ideas o conexiones entre ideas se me ocurren en esa hora de "trance deportivo". En cuanto se me ocurre algo temo perderlo, para evitarlo grabo notas de voz en mi teléfono.
Otro de mis procesos es casi un acto religioso, cuando estoy escribiendo y nada interesante aparece o estoy bloqueado, intento dejar la mente en blanco y entrar en una especie de zona de meditación. Bueno, no es exactamente meditación, más bien es abrir los receptores...no sé cómo explicarlo, pero voy a intentarlo: cuando estoy realmente bloqueado intento dejar de pensar en mí mismo, en mis habilidades, mi ego o lo que sea...entro en un estado de semiconsciencia donde pienso en el universo, como una antena que proyecta una señal (risas). Pensando en el imput del universo, le ruego ideas a una especie de inteligencia superior. Muchas de esas ideas no sé què significan, sólo confío en que tengan significado, a veces son imágenes. Luego, trabajando, quizás no inmediatamente, empiezo a entender su significado. Sólo recurro a esto si estoy realmente bloqueado. Es información externa, supongo que proviene de la energía del inconsciente colectivo, hay autores que han hablado de esto como Joseph Campbell (El héroe de las mil caras, texto donde habla del monomito: El viaje del Héroe). Todos estamos conectados a una especie de super cerebro, una super computadora y cualquier grupo de personas conectadas alcanzará un mayor nivel de complejidad que cualquier persona sola.  Para acceder a esa red tienes que dejar a un lado tu ego y pensar "quizás no soy lo suficientemente bueno como para escribir una buena historia".

P. Alcanzas ese estado en silencio o necesitas algún tipo de música o mantra.

R. Siempre en silencio.



Más Forming 3.

P. Cuando organizas la historia, ¿desde dónde partes?. Por ejemplo, Frank Miller en un par de entrevistas ha contado que èl escribe desde el final. Necesita un buen final para empezar a escribir el resto de la historia.

R. Creo que también necesito un final. Tengo una idea muy básica sobre lo que debe pasar, pero no estoy apegado a esa idea, puede cambiar. Por ejemplo, con Forming (se refiere a la serie completa, las tres partes) he cambiado el final cuatro o cinco veces porque trabajando en las tramas del nudo suelo improvisar. Mi historia es permeable, me permito añadir cosas que me interesan en ese momento, nuevas ideas que antes no estaban... pero cualquier pequeña modificación puede afectar al final, atentar contra su lógica, de manera que te obliga a pensar desenlaces alternativos.
Sea como sea siempre tengo una red de seguridad, no voy totalmente a ciegas. Si improviso, inmediatamente debo saber que al final lo puedo encajar, no voy acumulando problemas sin saber si al final los podré resolver.

P. Y físicamente, a la hora de escribir, sólo utilizas texto o combinas imagen/texto, storyboard...

R. Primero tomo un montón de notas (doy fe, sólo Forming 3 son tres cuadernos de más de 120 páginas cada uno), y luego escribo el guión a través del storyboard, porque necesito ver las imágenes para escribir. Todo lo que pueda comunicar sin palabras mejora el trabajo, en cómic es lo que fluye mejor, al final es un medio visual. Así que necesito dibujar en esta parte del proceso.







Tres muestras de storyboard/guión con sus páginas correspondientes.

P. Bueno, pasemos a la tercera parte de la entrevista, hablemos sobre dibujo y las técnicas que utilizas en tus originales. ¿Qué puedes decirme sobre tus lápices, trabajas directamente sobre el original o construyes en otro papel y calcas en la mesa de luz? Porque parecen impecables.

R. Trabajo directamente sobre el original y con lápices de colores. Uso los colores para separar los planos, rojo para el fondo, azul para los personajes secundarios, amarillo para los principales...en realidad no importa el color, es una cuestión emocional. No desconectar ese lado lúdico/intuitivo hace el proceso más divertido para mí. La página parece más compleja, pero en realidad gana en simplicidad.
Sólo utilizo la mesa de luz si necesito repetir alguna composición para una secuencia de viñetas con el mismo plano.

P. La siguiente capa es el aerógrafo.

R. Sí, lo utilizo como capa base sobre la que empezar a pintar o crear efectos... sólo en contadas ocasiones lo utilizo para hacer la viñeta completa. Quizás en un futuro me ponga a hacer algo exclusivamente con aerógrafo. Para mi es como Photoshop.

P. Como los efectos especiales en cine.

R. Exacto.

P. Sobre la capa de aerógrafo comienzas a pintar con Gouache.

R. Sí, por que el acrílico tiene más textura y a veces crea un efecto "glossy", sin embargo el gouache deja un color mate y opaco sin necesidad de acumular mucha pintura. Sobre esa capa entinto con tinta india a veces con tinta de colores, sólo a veces doy algún toque con rotulador, pero no funciona muy bien sobre gouache...no sé estoy pensando que quizás mi próximo trabajo sólo lo haré con aerógrafo y gouache, sin tintas ni líneas de contorno.

P. Un trabajo más pictórico, mas "real" al eliminar la línea.

R. Eso es, sólo captando los volúmenes, ya veremos...



El aerógrafo es una incorporación  reciente, su estilo y técnica ha ido mutando en busca de la forma perfecta para contar su historia. Siempre ocurre cuando pasas muchos años trabajando en la mismo. Imágenes de Forming 1, 2 y 3.

P. Ya hemos hablado en otras ocasiones de nuestra posición respecto a los originales...

R. Jajaja sí, ya hablamos sobre si vender originales o no, creo que ahí estamos de acuerdo.
Tengo una relación espiritual con mi trabajo y un enlace emocional muy fuerte con mis originales. Además no estoy muy contento con los medios técnicos de reproducción que tenemos hoy, espero que algún día la tecnología mejore para volver a editar mis libros. Sólo he regalado uno o dos a mis mejores amigos...en realidad es más un préstamo que un regalo, sé exactamente dónde están esas páginas por si algún día necesito volver a escanear o lo que sea que la tecnología nos depare.

(Nota mía: realmente sus originales son espectaculares, nada que ver con lo que se ve en pantalla y los colores aún se empastan más en la impresión, los visitantes de la exposición de La Maison durante el Festival de Bd pueden dar fe).

P. Qué me cuentas sobre la rotulación.

R. Escribo los textos a lápiz cuando estoy en la fase de dibujo, pero los rotulo al final. Mi única regla es que la página no está terminada hasta que no tiene los textos y funciona como una pieza. Así que las hago una a una, no las acumulo sin texto para rotularlas todas juntas.
Para el interlineado utilizo la Ames Lettering Guide, pero reconozco que aún no estoy contento con mi rotulación, requiere un esfuerzo muy aburrido mejorarla, me pondré en los próximos meses (risas).
Creo que no estoy muy influenciado por èl, pero durante mis años de formación, mi rotulista favorito era Dave Sim. Ahora se ve antiguo, pero entonces su rotulación rompió moldes. Componía viñetas y páginas a partir del texto, teniendo en cuenta el peso específico que la mancha de texto dejaría en la composición, algo muy difícil de conseguir.




Cerebus de Dave Sim.

P. Una cosa que como "profesional" (sí, comillas) echo de menos en casi todas las entrevistas es que no se hable de los materiales de dibujo. ¿Podrías hacerme una lista de las marcas que utilizas, o es Secreto de Estado?

R. Oh, Claro.
Mi papel es un Bristol Vellum de 11"x14" (un poco mayor que un A3), mis lápices son Prismacolor Col/erase. Mi aerógrafo es Grex y uso notas post/it para enmascarar. Mis gouaches son Acryla y para entintar utilizo cualquier marca, la que tenga a mano. Uso pinceles de la marca Princenton Brush Co. 12/0 round (redondos), y mis rotuladores (sólo para unos pocos detalles)son Uni Pin 0.2/0.1/0.8. Para rotular uso la Ames Lettering Guide para trazar las líneas y escribo el texto con la Kuretake rubber nib pen.





Un poco del estudio de Jesse, el juego de cartas de Tarot en el que está trabajando (por placer, no es un encargo) y una foto lejana de su zona en la expo de La Maison.

R. Muchas gracias por este rato y la paciencia que lo pones a mi inglés, ¿para cuando Forming 3?
P. Oh, gracias a ti.
¿Forming 3? Eh...2017, creo.

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Jesse Moynihan acabó su residencia en la MdA el lunes 1 de febrero, justo tras el Festival de Bd.

We miss you Jesse!


martes, 2 de febrero de 2016

BONJOUR, SEÑOR AU.

Au Yao-hsing es uno de los tres residentes taiwaneses que hqy en la MdA actualmente. Con más de 30 años de carrera profesional se ha ganado que el resto de residentes le llame Señor (Mister AU). Los residentes más jóvenes le idolatran y me explican que es tan importante en China como lo fue Tezuka en japón. Un hombre de la industria, con más de 150 libros publicados, serie de dibujos animados y una legión de asistentes en su estudio, pieza fundamental para llevar ese nivel de producción.


El señor Au empieza a publicar en 1980 su tira Pipi en un periódico de Taiwàn. pero en 1983 dió con la serie que le catapultó a la fama, Wulongyuan. Que èl define como una comedia de Kung-fu.



Wulogyuan es cómic para todas las edades, un super ventas con serie de dibujos animados e incluso otra con actores reales. sus compatriotas me cuentan que ha ejercido una influencia  muy fuerte en generaciones posteriores de dibujantes.
Si bien en España siempre se ha dicho que montar un sindicato de autores de cómic  es imposible debido al ego propio del artisteo, el Señor Au consiguió reunir a los autores en un sindicato para luchar contra la censura impuesta por su gobierno en la década de los 80.
Además usa el cómic como herramienta pedagógica, mostrando en los centros educativos  de Hualien (dónde reside) que el cómic es una herramienta eficaz para transmitir conocimiento.

Actualmente desarrolla un proyecto autobiográfico en La Maison. Para él esto es como un año sabático, donde pasea y cuenta sus aventuras europeas. Los primeros capítulos ya están traducidos al frances en esta WEB, que es una asociación de autores, donde pronto también habrá algo mío.

¿Por qué este post si no hay entrevista?
Bien, el caso es que el capítulo 4 de su serie autobiográfica, BONJOUR! (aún en chino), muestra la cena de noche vieja en casa del señor Au y... algunos residentes la protagonizamos!. Cumpliendo con mi papel de español, salgo comiendo y bebiendo sin fin, y a pesar de la napia estoy muy orgulloso de ser un personaje de sus tebeos.







Con el Señor AU intentaré hacer una entrevista más adelante, pero su inglés y el mío es un poco más Chita que Tarzán. Algo haremos, que comiendo y bebiendo nos entendemos a las mil maravillas, sobre todo yo: AU también es chef.

Señor Au, es usted mi ídolo.





martes, 26 de enero de 2016

EXPOSICIÓN DE AUTORES RESIDENTES EN LA MdA.

Como cada año, con motivo del Festival internacional de BD en Angoulème, La Maison des Auteurs organiza una exposición con muestras del trabajo de sus residentes de ese año (2015).


Cartel diseñado por una residente del 2015, Magali Cazo.

Ya he paseado un par de veces por la exposición y puedo adelantar que hay material muy variado e interesante, la nómina de participantes es amplia:

Jessica Abel, Jorj A. Mhaya, Au Yao-Hsing, Alice Bohl, François Bertin, Cynthia Bonacossa, Jérémie Camus, Magali Cazo, Pedro d’Apremont, Eme de Armario, Elric Dufau, Glynnis Fawkes, Pierre Frampas, Alain François, Benjamin Frisch, Golo, Sophie Guerrive, Bohyun Kim, Jérémie Labsolu, Yubing Li, Ariel Lopez V., Lola Lorente, Los Bravú, Matt Madden, Giorgia Marras, Mickeyman, Jesse Moynihan, Amruta Patil, Benoît Preteseille, Rayco, Jackson Rees, Brahm Revel, Giulia Sagramola, Miroslav Sekulic-Struja, Lucas Varela, Loïc Verdier, Grace Wilson, Ronald Wimberly.

Yo participo con seis páginas de Lamia, me costó mucho dar con una secuencia que aparentemente no revele nada importante de la trama. Supongo que irán saliendo fotos que intentaré traer al blog.

La inauguración es este jueves 28 y quedan todos formalmente invitados, queridos lectores.

lunes, 25 de enero de 2016

Entrevista 1: Eme.

Nota.
Antes de empezar, sobra decir que no soy periodista, así que tengo cero experiencia haciendo entrevistas. Este primer intento se tradujo en más de media hora de charla informal (redundancias, bromas privadas ect) sobre tebeos.
Los problemas aparecen al transcribir esa información y al final tengo hacer a otro autor lo que odio que me hagan a mí; editar y reescribir. Perderemos algo (poco) del acento del entrevistado pero nada de información. Antes de publicar, el entrevistado recibe el texto y lo modifica cuanto quiere hasta quedar contento.
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Eme de Armario (Mario Alberto Hernández Hernández, 1984) es un residente que viene de Veracruz, México. Artista multidisciplinar (ilustración, storyboards, poesía, diseño de marionetas...), es casi un recién llegado al cómic, sin formación explícita o demasiadas lecturas de tebeos a sus espaldas. Eso le convierte en una especie de "buen salvaje", un caso especial e interesante de analizar, porque al final, casi todos los autores venimos a contar un poco lo mismo y partimos de referentes comunes.

Eme está en Angouleme gracias a La Maison des Auteurs y el IFAL Instituto Francés de América Latina.


P: ¿Por qué cómics?

R. Realmente yo no conozco mucho de cómic. El hacer esto ha surgido de manera natural, en principio yo quería ser pintor, para eso ingresé en la Facultad de Artes de la Universidad Veracruzana. Ahí entendí que ser pintor es muy caro, se necesitan muchos materiales, así que empecé a hacer ilustración. Ilustrando puedo dibujar, dar color y acceder a un mercado más amplio. A partir de ahí mi trabajo se fue acercando un poco más al grabado y la caricatura política, pensando más en un contenido narrativo, y para acceder a un medio masivo a través de la reproducción manual. El grabado y la estampa son oficios muy fuertes en México, sobre todo en Oaxaca.





El Fanzine "LOS GRMORKS", germen de uno de los proyectos en los que trabaja en Angouleme.

P. ¿Cómo narras esas historias?,¿empiezas con imagen y texto, varias imágenes o sólo imagen?

R. Empecé sólo con imagen, de ahí pasé a ilustrar mis propios textos, más tarde aparecieron los bocadillos y la secuencia. Supongo que es la evolución natural.Pero fue muy chistoso, porque en ese momento me di cuenta (se me metió en la cabeza) que el acto de escribir como tal es tambièn dibujar; escribir es dibujar y dibujar es escribir. Así que ando experimentando con la manera de incluir el texto en mis imágenes. En general, as ganas que tengo de hacer narración gráfica son ganas de experimentar, ir trabajando a ver qué pasa. Querer contar varias cosas que me están pasando todo el tiempo en una sola historia es lo que me trajo al cómic. Pero no me interesa contarlas tal cual.

P. O sea, usas la ficción, para hacer autobiografía.

R. Sí, es como un juego poético, no sè si me explico, no contar sólo a través de la prosa sino construyendo metáforas sobre tí mismo y sobre tu trabajo. Añadiendo toda la información que te va rozando.

P. ¿Y estás contento con el medio? ¿te está sirviendo para sacar adelante ese proyecto?

R. Acabo de empezar, y de entrada el cómic ya ha servido para darme la oportunidad de salir por primera vez de México, trabajar en un entorno increíble, ir al festival más importante y conocer a autores de distintos lugares. Toda esta experiencia la estoy canalizando hacia el proyecto en el que estoy trabajando ahora. La historia va cambiando todo el tiempo, en este mismo momento se me están ocurriendo formas distintas para tratar de expresar sensaciones por medio de línea y color.



Una página a acualela y un acrílico en proceso. Formato cuartilla, Eme es casi un miniaturista.

P. Háblame de tu proceso creativo, ¿trabajas con conceptos (tema) como punto de partida y luego escribes un guión, escaleta, storyboard...?

R.Tengo varios cuadernos, siempre llevo algo de papel encima y escribo notas todo el tiempo. También escucho música siempre, creo que es importante en mi trabajo, sincronizar mi dibujo con la música, las líneas con el ritmo. Mi proceso creativo consiste en  mantenerte abierto, consciente y muy despierto o en un intento de vigilia constante de lo que està pasando al momento. Entonces trabajo a partir de notas, frases, imágenes, fechas, datos interesantes...es como coleccionar retazos. Los voy almacenando y cuando tengo la necesidad de utilizar todo lo que "robé", pues voy montando collages y armando algo que decir, algo que contar.



P. Por lo que cuentas, tu trabajo es puro rizoma, siempre permeable y mutante. ¿Hay algún momento en el que paras de añadir elementos?. Ya sabes que lo habitual es tener la mente abierta en las fases iniciales, las creativas, pero hay un punto donde el autor se planta y empieza la parte mecánica, dibujar.

R. No, nunca paré de meter piezas en el puzzle (risas) lo cual es muy complicado y cansado, pero tambien es muy rico (más risas).  He intentado cortar esta dinámica, pero las veces que lo he intentado luego no me siento bien...siento cómo que estoy perdiendo el tiempo, si sólo tengo que ceñirme al ejercicio mecánico. Me da más ansiedad que la que tengo trabajando de esta manera, es cómo si me interesara contarme la historia a mi mismo, sorprenderme. No estoy pensando en la publicación u otro lector.

P. Eso significa que no tienes ni idea de cuando acabarás el libro, nùmero de páginas...

R. No, sólo tengo como una secuencia larga y un poco de la estructura, de cómo quiero contar la historia...pero me he puesto una meta de cien páginas para hacer en tres meses.

P.¿Y tienes un final claro?

Sí, tengo una imagen en mi cabeza.

P.¿Y lo tenías  desde el principio?, sabes que un montòn de autores empiezan a escribir desde el final.

R. No, lo encontré hace mes y medio que se me prendió el foco. Hasta entonces tenía una historia con final diferente, ahora tengo una visión clara de por qué los personajes están haciendo lo que hacen. Pero no es un final/final (risas), digamos que no es un final cerrado, se me ocuurre que más adelante puedo seguir desarrollando parte de esta historia. Veo varios caminos que antes no estaban, es como un tubérculo (risas). Así nunca me canso de dibujar ni me enfado por no dejaeme arrastrar por la historia.

PAUSA: SALE LA PIZZA ROYALE (CONGELADA Y MARCA BLANCA) DEL HORNO. MARIO Y YO SOMOS COMPAÑEROS DE PISO, SE JUNTA MIROS (RESIDENTE CROATA Y VECINO) AL FESTÍN, MIENTRAS GOYA, SU PERRA, SE DESCONSUELA.

P. Siento ser redundante: entonces trabajas sin guión ni storyboard.

R. Exacto, sólo notas, notas y más notas.



R. Tienes páginas a color, otras en B/N, usas gouache, acrílico, tinta, aguadas...¿Por qué utilizas
tantas técnicas?

R. Pues un poco por lo mismo, es como un copy&paste....bueno, no exactamente así. Si trabajo mucho tiempo con una técnica, siento que es muy fácil y me aburro. Es símplemente agarrar cosas que te gustan y estar experimentando constantemente, ya comenté lo importante que es la música en mi dibujo y el trabajar con muchos materiales enriquece el ritmo, cada sonido es un color, una línea... determinadas secuencias de sonidos van determinando el material que utilizo. Es difícil de explicar, lo va pidiendo el cuerpo, es más físico que intelectual, es como bailar...esa experiencia sensorial es lo más cercano a lo que quiero hacer, pero cómo no sé música ...(risas con pizza).

P. Siempre se está a tiempo.

R. Sí, no sé, quizás dentro de 20 años empiece con el banjo (risas sin pizza, Goya se resigna).

P.Vamos a lo técnico: tienes formación académica...

R. Sí...pero no acabé porque me aburrí. El último año está más enfocado a "colocarte". Centrado en  las galerías y el arte conceptual, no estaba demasiado interesado en eso. Es contrario a todo de lo que hemos hablado, a ir buscando cosas que te estimulen para ir avanzando. Ellos buscaban más una marca, un producto vendible, y para conseguir eso tienes que estar mucho tiempo haciendo lo mismo.





Los lápices de Eme son muy interesantes, apenas esboza unas líneas, empieza a entintar. Resuelve todo en la tinta. Además no usa storyboards ni boceto previo, de sus notas pasa a la página, tiene la visualización en la cabeza.

P. Háblame sobre los materiales que utilizas, me gustaría saber tus preferencias sobre marcas ect..

R. Pues ahora trabajo con unos rotuladores calibrados y uno de punta de pincel (Pigma micron 04,03,02,005 y un Pentel GFKP) pero todos mis materiales son económicos. Creo que nunca he trabajado con tinta buena (o algo así). Mis pinceles son estudiantiles de cerda sintética, nada especial. Los acrílicos que uso son de la marca POLITEC que es un acrílico pastoso y brillante...ah, también una cajita de bolsillo de acualeras Windsor&Newton, que ya se están acabando.

P. Bueno, volvamos a los proyectos, creo que llevas dos a la vez...

R. Sí, del que ya hablamos y que me trajo a Angouléme, que tengo una idea inicial de 100 páginas (por poner algo) de las que llevo unas 80, pero que en realidad no tiene ninguna meta o fin. Podría ser el proyecto que muestre a los editores de acá, pero no lo veo claro. Me gustaría autopublicármelo, porque tengo una idea de cómo lo quiero físicamente y es una onda más artesanal. Es muy ambicioso pero... (risas).



El otro es un proyecto en blanco y negro que preparo para presentarlo a un concurso allá en México, el plazo es hasta marzo y necesito mandar 32 páginas y sinopsis. La historia parte de un ensayo que hice hace un año justo para presentarlo a otra beca de dibujo, pero yo hice cómic. Ese fue mi trabajo más largo hasta entonces y ahí empecé a salpicarme con referencias e interesarme más por otros autores. El proceso de trabajo es el mismo, pero la historia es menos colorida, está más enfocada a cuestionamientos políticos y sociales que siempre andan afectando mucho a méxico. Es ficción con temática social y autobiografía también, pero ambientado en un futuro distópico. Ahí vuelco las quejas de mis amigos y cómo sobrellevan su vida en Jalapa, por ejemplo.


P.Me da la impresión de que este trabajo lo tienes un poco más claro que el primero. Más claro me refiero a extensión, plazos... parece más cerrado.

R. Sí, tiene que ver con el proyecto en sí, este habla más de desórdenes sociales y toda esta paranoia que estamos viviendo allá. Es un tema más serio, trabajar en el otro libro es más alegre, más libre, casi como un diario, habla también de zonas oscuras pero el desarrollo es positivo, colorido, fantástico... este tiene más que ver con quejas y cuestionamientos reales, no me da para fantasear o expandir su universo como en el otro proyecto. Es más cuadrado, por así decirlo, además si ganas el concurso, tienes que desarrollar el proyecto en 124 páginas así que obligatoriamente lo he tenido que ir cerrando.



P. Antes hablabas de buscar referencias de otros autores a la hora de abordar un proyecto, ¿crees que tienes más influencias de otros medios que de cómic?

R. Sí mucho más. De cómic apenas conocía a McCay y Edward Gorey, si a eso se le puede llamar cómic... luego conocí a Nicolas De Crécy en unos encuentros en México, su trabajo es una gran inspiración. Visualmente creo que estoy más influenciado por los libros ilustrados.
Trato de leer poesía, pero no soy un gran lector en general. Me gusta mucho Charles Simic, Michael Ende, María Negroni ....las novelas distópicas y el cine de ciencia ficción.  "El país de las sombras largas" es una referencia clara en mi primer proyecto.
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Fin de la primera entrevista, sólo queda añadir que si alguien tiene más curiosidad por el trabajo de Eme ,este es su blog y su tumblr, creo que merece mucho la pena pasearse por lo que no hemos tocado aquí, escritura, ilustración ect...